Filmstarts im Mathäser Filmpalast

Mit seinen Songs prägte er eine Ära: George Michael. Mit dem neuen Konzertfilm GEORGE MICHAEL – THE FAITH TOUR erwacht seine legendäre Faith-Tour im Kino noch einmal zum Leben, mit nie zuvor gezeigtem Material, spektakulär überarbeitet und remastered. GEORGE MICHAEL – THE FAITH TOUR zeigt einen der einflussreichsten Stars seiner Generation auf dem Höhepunkt seines kreativen Schaffens. Das wiederentdeckte 35-mm-Filmmaterial seines Auftritts 1988 in Paris, im Palais Omnisports de Paris-Bercy (heute Accor Arena), ist ein wahrer Glücksfall. Dank der aufwendigen Restaurierung lässt sich die rekordbrechende Faith-Tour noch einmal auf der großen Leinwand erleben. Zugleich wird ein Moment wieder lebendig, der die Popkultur nachhaltig geprägt hat. Den Auftakt bildet Mary McCartneys (If These Walls Could Sing) Kurzfilm Finding Faith. Neu entdeckte Bild- und Tonaufnahmen aus den Jahren 1986 bis 1988 gewähren einen ebenso lebendigen wie intimen Einblick in George Michaels Gedankenwelt – in einer Zeit, die sein Leben und seine Karriere entscheidend veränderte.
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Hadoota (Ahmed Helmy), ein 40-jähriger Schläger, kann sich nicht mehr an das Versteck eines von ihm entführten Zeugen erinnern. Er wendet sich an eine Hypnosetherapeutin (Amina Khalil), um diese fehlenden Informationen wiederzufinden. Doch um sein Gedächtnis wiederherzustellen, muss er sich alten Feinden, vergangenen Ereignissen und vor allem … sich selbst stellen.
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Die pragmatische Maria besucht nach Jahren zum ersten Mal wieder die Geburtstagsfeier ihrer Großmutter, da diese das Haus auf ihre Enkelin umschreiben lassen will. Marias Onkel Grigory will jedoch verhindern, dass das Haus an seine Nichte geht. In einem Dorf nahe Kyjiw entbrennt so ein Streit unter Verwandten um Immobilien.
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Eine spannende Geistergeschichte im London von Dickens, die die übernatürliche Reise eines Mannes begleitet, auf der er sich seiner Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft stellen muss, während er um eine zweite Chance auf Erlösung kämpft. Diesen November ist Johnny Depp Ebenezer Scrooge. Den Namen kennen Sie, die Geschichte nicht.
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Die Universität Düsseldorf gerät weltweit in die Schlagzeilen: Die gefeierte Professorin Saraswati (Stephanie Eidt), die sich als „Person of Color“ ausgibt, ist in Wahrheit weiß! Studentin Nivedita (Amanda Babaei Vieira), auch bekannt als Podcasterin „Identitti“, hat ein altes Foto von Saraswati gefunden und deckt damit die Lebenslüge auf. Das Foto gerät in die sozialen Medien und der Skandal um Saraswatis Identitätstäuschung nimmt seinen Lauf. Während in der Presse und online gehetzt wird und man ihre Entlassung fordert, begibt sich Nivedita auf die Suche nach den Motiven für Saraswatis jahrelangen Betrug. Dabei begegnet sie Kaali (Sabrina Setlur), ihrem eigenen Alter Ego, und gerät in einen politischen wie persönlichen Konflikt, der sie zwingt, nicht nur Saraswatis Identität, sondern auch ihre eigene zu hinterfragen. Der Film IDENTITTI basiert auf dem gleichnamigen Bestsellerroman von Mithu Sanyal aus dem Jahr 2021, der sich mit Fragen kultureller Aneignung, Cancel Culture, Zugehörigkeit und Identität auseinandersetzt. Regisseurin Randa Chahoud („Deutschland 89“) und Drehbuchautorin Friederike Jehn gelingt mit klugem Humor, junger Bildsprache und pointierten Dialogen ein brisanter und erfrischend zeitgemäßer Film – eine Tour de Force, die noch lange nachwirkt. Der fast vollständig weiblich besetzte Cast umfasst u.a. Sabrina Setlur, Deutschlands erster weiblicher Rap Star mit über 2 Millionen verkauften Tonträgern, die hier ihr Leinwanddebüt gibt.
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In HOW TO ROB A BANK streamt eine Gruppe junger Outlaws ihre riskanten Raubüberfälle live ins Netz. Dabei ahnen sie nicht, dass sie aufgrund ihres wachsenden viralen Ruhmes ins Visier eines erfahrenen FBI-Agenten und einer brillanten Softwareentwicklerin geraten sind. Obwohl das ungleiche Duo ihnen immer näherkommt, geht die Bande bis an ihre Grenzen und setzt für ihre Überzeugungen – und ihren bisher ehrgeizigsten Raubüberfall – alles aufs Spiel.
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Bis heute bedeutet sie die Welt für jene Bretter, die die Welt bedeuten. Helene Weigel hat ein unglaubliches Vermächtnis hinterlassen – mit ihrem eigenen Werk und dem ihres Mannes Bertolt Brecht, der an ihr wuchs und nur mit ihr Theatergeschichte schreiben konnte. Von der „lärmendsten Schauspielerin Berlins“, die Anfang der 1920er Jahre mit explosivem Stil und rabiater Behauptungskunst zum Theaterstar der Hauptstadt aufstieg, zur Intendantin des Berliner Ensembles, die altes Kriegsgerät als Theatertechnik verbauen ließ. Sie war eine Macherin, die sich für nichts zu fein war. Ihr Spektrum reichte von der Handwerkerin bis zur Erneuerin des Epischen Theaters, von der Sängerin in Arbeiterkneipen bis zur Matriarchin mit Masterplan, die sich und ihr Theaterhaus gegen alle Verwerfungen der Nachkriegszeit zu wehren wusste. Für viele Menschen in der jungen DDR wurde sie zur Hoffnungsträgerin. Der Dokumentarfilm HELENE WEIGEL – REVOLUTIONÄRIN IM RAMPENLICHT füllt eine gravierende Lücke, denn erschütternd wenig wird an den gewaltigen Spielraum erinnert, den Helene Weigel für sich, die Schauspielkunst und die Kulturpolitik erkämpfte. Er lässt teilhaben an diesem verwegenen, rasanten, tragischen Leben, das voller Erschütterungen und unerschütterlicher Energie steckt. Höchste Zeit ist es für die Geschichte dieser Jüdin aus Wien, die zu einer Frau der Extreme wurde. Mit viel Feingefühl erzählt Regisseurin Maria Wischnewski auch von der privaten Seite dieses hochpolitischen Lebens, von Liebe und Schmerz einer zutiefst menschlichen Heldin. Sie folgt ihren familiären Spuren und Verzweigungen bis in die Generation, die heute in den USA lebt. Mit neuem und aufwendig digitalisiertem Archivmaterial und persönlichen Briefen, gesprochen von Birgit Minichmayr und August Diehl, und flankiert von Zeitzeugen, Erben und Angehörigen, darunter Katharina Thalbach, Johanna Schall und Manfred Karge, entsteht ein kluges Porträt dieser bahnbrechenden künstlerisch-intellektuellen Symbiose zwischen Bertolt Brecht und Helene Weigel.
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Kurz vor dem Militär-Putsch in Chile im Jahr 1973 werden die CIA-Agenten Chris (John Malkovich) und Lee (Sam Rockwell) von ihrem Büroleiter MJ (Steve Buscemi) von Santiago auf die Osterinsel entsandt. Vor dem Hintergrund der ikonischen Skulpturen der Insel ringen die langjährigen Partner mit ihrer dunklen Vergangenheit und aktuellen Verschwörungen. Dabei droht Chris’ neu gefundene Freundschaft mit zwei rebellischen Studentinnen (Mariana di Girolamo und Ailín Salas) die Reise aller in dieses abgelegene Paradies völlig aus dem Ruder laufen zu lassen.
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Der Dschungel macht aus guten Menschen bessere und aus schlechten Menschen Monster.“ Ein junges Ärzteteam reist im Rahmen einer humanitären Mission mit einem Schiff tief in den Amazonas-Regenwald und macht sich damit nicht nur Freunde. Ihr Besuch ruft eine uralte Jägerin auf den Plan: die Boiúna. Diese mythische, aus dem kolumbianischen Volksglauben stammende Riesenschlange kehrt zurück, um ihr Territorium zu verteidigen. Sie entscheidet, wer lebt und wer stirbt. Mitten im dichten Dschungel entfacht ein unerbittlicher Kampf ums Überleben, in dem die Grenzen zwischen Jäger und Gejagtem immer mehr verschwimmen.
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Vor gut 100 Jahren erfindet LEICA die Kleinbildkamera und verändert damit die Geschichte der Fotografie für immer. Fotografen können nun ihre Kamera mitnehmen und das Geschehen um sie herum dokumentieren. Die Geburtsstunde der Street Photography, Reportage und des Fotojournalismus. LEICA – EIN JAHRHUNDERT IN BILDERN beleuchtet diesen Wandel der globalen visuellen Kultur und lädt uns ein, 100 Jahre Dokumentarfotografie zu erkunden – mit Werken renommierter Fotografen wie Henri Cartier-Bresson, Sebastião Salgado, Steve McCurry, Jane Evelyn Atwood, Ralph Gibson und Alex Webb sowie zeitgenössischer Künstler wie JR, Greg Williams und Ragnar Axelsson und Hunderten von Bildern ihrer bahnbrechenden Arbeiten.
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Im Jahr 1932 verfasste Herman J. Mankiewicz – der zehn Jahre später durch das Drehbuch zu *Citizen Kane* Weltruhm erlangen sollte – *The Mad Dog of Europe*, ein Anti-Nazi-Filmprojekt, das den Zerfall einer deutsch-jüdischen Familie zu Beginn von Hitlers Machtergreifung schilderte. Dieses visionäre Drehbuch wurde von den Hollywood-Studios, die zwischen diplomatischem Druck und wirtschaftlichen Interessen gefangen waren, letztlich zu den Akten gelegt und trotz mehrerer engagierter Versuche zu seiner Realisierung, nie verfilmt. Die Geschichte dieses Filmes, der nie gedreht wurde, findet eine eindringliche Resonanz in den zunehmend gefährlichen ideologischen Bruchlinien unserer eigenen Zeit und dem wachsenden Druck der Politik auf die Kultur als Vorbote autoritärer Tendenzen.
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Ein toxisch schimmernder Nebel legt sich über eine retrofuturistische Metropole – und mit ihm erwacht die Legende vom Leatherman zu blutigem Leben: ein Killer, der seine Opfer mit diamantenbesetzten Lederhandschuhen zerfetzt. Während die Stadt im Bann des Killers liegt, begibt sich die junge Elle (Sophie Thatcher) auf die Suche nach ihrem Vater. Zur gleichen Zeit kämpft sich Soldat K. (Charles Melton) durch die Unterwelt, um seine entführte Tochter zu retten. Ultraviolence in Ultraviolett: Für den dänischen Autorenfilmer Nicolas Winding Refn, der sich mit visionären Ausnahmefilmen wie DRIVE und THE NEON DEMON in die Filmgeschichte eingeschrieben hat, markiert HER PRIVATE HELL nach mehr als zehn Jahren eine wuchtige Rückkehr auf die große Leinwand. Mit Sophie Thatcher (HERETIC, COMPANION) und Charles Melton („Beef“, MAY DECEMBER) in den Hauptrollen entfesselt Refn einen hypnotischen Trip in die Abgründe menschlichen Begehrens – virtuos inszeniert in seiner unverkennbaren, neongetränkten Bildsprache. Seit seiner Weltpremiere in Cannes spaltet Refn damit einmal mehr die Gemüter – und entfacht einen audiovisuellen Rausch, begleitet von den opernhaften Klängen des italienischen Soundtrack-Maestros Pino Donaggio, der für die Zusammenarbeit mit Refn aus dem Teilruhestand zurückgekehrt ist.
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Der „Superbuhei“ ist ein Supermarkt in Hannover-Langenhagen. Er ist kein typischer Supermarkt. Statt einer Bäckerei gibt es dort eine Bar namens Klaus Meine. Täglich sitzen ein paar Alkoholiker den ganzen Tag an der Theke und hören die gleichen Scorpion-Songs aus den Lautsprechern „Klaus Meine“ gehört Jesse Bronske. Jesse Bronske führt ein Leben der absoluten Durchschnittlichkeit: Zwischen Fertiggerichten, seiner Quizshow-begeisterten Ehefrau Mona und seiner Kneipe scheint der Alltag in festen, alkoholgetränkten Bahnen zu verlaufen. Doch die Fassade bröckelt, als Jesse überzeugt ist, nachts einem Einbrecher gegenübergestanden zu haben. Als dann auch noch ein Anwaltsbrief des echten Klaus Meine die Existenz seiner Bar bedroht, verschwimmen Realität und Wahnvorstellung. Gibt es einen mysteriösen Doppelgänger, der ihm Schritt für Schritt sein Leben stehlen will? Grandios besetztes Debüt-Kleinod mit Oliver Korritke in einer Paraderolle – Grotesk lustig, abenteurlich absurd und auch ein bißchen tiefgründig!
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Nicht auf der Suche nach dem Spektakulären. Sondern nach Spuren von Menschlichkeit. Johannes Müller reist dorthin, wo die Welt oft längst weitergeschaut hat. Als Konfliktfotograf dokumentiert er Menschen in Kriegs- und Krisengebieten – nicht auf der Suche nach dem spektakulären Bild, sondern nach Momenten von Würde, Nähe und Menschlichkeit. Regisseurin Sandra Kaudelka begleitet ihn in den Nordirak: zu Peschmerga im Einsatz gegen den IS, zu Familien in Geflüchtetenlagern und zu iranischen Frauen, die nach ihrer Flucht für ihre Rechte und ein selbstbestimmtes Leben kämpfen. Ein eindringlicher Kinodokumentarfilm über die Macht der Bilder, die Verantwortung des Fotografierens und die Menschen hinter den Schlagzeilen. Hauptberuflich arbeitet Johannes Müller als Kommunikationsmanager eines internationalen Unternehmens. Doch immer wieder lässt er seinen sicheren Alltag in Deutschland hinter sich und reist mit seiner Kamera in Regionen, die von Krieg, Flucht und politischer Gewalt geprägt sind. In ihrem Dokumentarfilm „CHASING HOPE – Der andere Blick“ begleitet Sandra Kaudelka ihn auf einer Reise durch den Nordirak. Gemeinsam mit seinem lokalen Begleiter Kareem besucht Müller Peschmerga-Einheiten und Geflüchtetenlager. Frauen und Witwen erzählen von Verlust, vom Warten und von fehlenden Perspektiven. In einem Trainingscamp begegnet er iranisch-kurdischen Frauen, die nach ihrer Flucht für ihre Rechte kämpfen und weiterhin mit der Gefahr von Angriffen leben. Aus diesen Begegnungen entsteht ein Film über den Alltag unter Bedrohung und die Kraft, dennoch weiterzuleben. Zugleich geht es um Müllers eigene Rolle: Welche Verantwortung trägt ein Fotograf für die Menschen und Geschichten, die er zeigt?
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Carlobianchi und Doriano warten auf die Rückkehr ihres alten Freundes Genio, der nach vielen Jahren aus Argentinien zurückkehren soll. Statt einfach die Nacht verstreichen zu lassen, brechen die beiden in ihrem Wagen zu einer letzten Trinktour Richtung Venedig auf. Unterwegs treffen sie auf Giulio, einen scheuen Architekturstudenten, der widerwillig in ihren Strudel aus Bars, Erinnerungen und improvisierten Umwegen hineingezogen wird. Was als ziellose Nachtfahrt beginnt, wird zu einer Reise durch die venetische Provinz, durch verpasste Chancen, männliche Freundschaft und das Nachglühen vergangener Leben. Während Giulio den beiden immer tiefer in ihre melancholisch-komische Welt folgt, verändert sich auch sein Blick auf Liebe, Zukunft und die Möglichkeit, dem eigenen Leben eine andere Richtung zu geben.
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In der albanischen Hafenstadt Durrës wird der ehemalige Häftling Arion (Noizy) aus dem Gefängnis geholt, um für den hoch verschuldeten Ilir (Blerim Destani) an illegalen Bare-Knuckle-Kämpfen in der berüchtigten Kampfstätte «The Circle» teilzunehmen. Clubbesitzer Hans (Moritz Bleibtreu) begegnet ihm zunächst mit Skepsis. Doch als Arion immer mehr Aufmerksamkeit auf sich zieht, erkennt auch Hans sein kommerzielles Potenzial. Was als Ausweg aus der Misere beginnt, entwickelt sich zu einem riskanten Spiel, als Ilir in ein illegales Wettnetzwerk gerät. BLOOD MONEY ist ein raues Kampfsportdrama über zwei Männer, die versuchen, ihrem Leben zu entkommen.
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Erlebt ein festliches Kinoabenteuer, in dem Peppa Wutz und ihre Familie auf der großen Leinwand Evies erstes Weihnachtsfest feiern! Seid dabei, wenn Peppa Wutz und ihre Familie den Trubel am Weihnachtstag erleben und sich an ihre schönsten Weihnachtsmomente erinnern. Von verschneiten Abenteuern und festlichen Theateraufführungen bis hin zum Schmücken des Weihnachtsbaums – dieses einstündige Kinoerlebnis vereint sieben klassische Weihnachtsfolgen von Peppa Wutz mit vier brandneuen Liedern, bei denen die Kleinen tanzen und mitsingen können. Voller Lachen, Musik und herzerwärmender Momente ist dieses besondere Kinoerlebnis der perfekte Familienausflug in der Weihnachtszeit. Also, holt eure Mützen, Schals und Handschuhe heraus und genießt gemeinsam mit Peppa Wutz und ihrer Familie den Zauber der Weihnachtszeit bei „Festtagsspaß mit Peppa – Das Kinoerlebnis“!
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Es ist soweit! Das Warten hat fast ein Ende! Das Gaming-Event der Extraklasse ist zurück! Das Finale der League of Legends-Weltmeisterschaft kehrt auf die große Leinwand zurück! Bei dieser Ausgabe im Jahr 2026 kämpfen 19 Teams aus aller Welt um den Weltmeistertitel, wobei das große Finale live in den Kinos übertragen wird. Verfolge jedes Spiel gemeinsam mit anderen Fans auf der großen Leinwand, spüre den Jubel der Menge und feiere gemeinsam. Ganz gleich, ob du ein bestimmtes Team unterstützt oder einfach nur gerne hochkarätiges League of Legends siehst – dies ist eine großartige Möglichkeit, das Finale gemeinsam mit der Community zu erleben. Bring deine Freunde mit, trage die Farben deines Teams und begib dich ins Publikum für einen legendären Abend. Die Plätze sind begrenzt, lass dir diese einmalige Gelegenheit also nicht entgehen.
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Der Film erzählt die Geschichte von Carlo Acutis, einem Jugendlichen, der die Verbindung von Glaube und moderner Welt auf besondere Weise prägte. Schon zu Lebzeiten nutzte er Computer, Internet und digitale Medien, um seine Überzeugungen mit anderen zu teilen. Nach seinem frühen Tod im Alter von nur 15 Jahren entwickelte sich sein Vermächtnis zu einem weltweiten Phänomen. Mit bislang unveröffentlichten Fotografien, privaten Videos und persönlichen Erinnerungen zeichnet der Film ein intimes Porträt von Carlo – als Sohn, Freund und ganz normalen Teenager zwischen Videospielen, Computerprogrammierung und seinem ausgeprägten Glauben. Familie, Freunde und Wegbegleiter erzählen von seinem Leben und zeigen den Menschen hinter der späteren Ikone. Seine Geschichte führt von Mailand über Assisi bis zu seiner Heiligsprechung am 7. September 2025 auf dem Petersplatz in Rom und zeigt, warum Carlo Acutis heute Menschen und digitale Gemeinschaften auf der ganzen Welt erreicht. Eine filmische Reise durch Glaube, Technologie und Menschlichkeit – auf den Spuren von Carlo Acutis, dem ersten Heiligen des digitalen Zeitalters.
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DIE TRIBUTE VON PANEM – SUNRISE ON THE REAPING erzählt die Geschichte des jungen Haymitch Abernathy, der 24 Jahre vor den Ereignissen von „Die Tribute von Panem – The Hunger Games“ auserwählt wird, um an den 50. Hungerspielen, dem zweiten sogenannten Jubel-Jubiläum teilzunehmen. In einem von Misstrauen und politischer Spannung zerrissenen Panem wird ein noch erbarmungsloseres Jubiläums-Spiel alles für immer verändern.
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LIEBLINGSMENSCHEN – Die außergewöhnliche Freundschaft von Agnes und Amir unter der Regie von Helena Hufnagel feierte seine Weltpremiere am 28. Juni beim 43. Filmfest München. Die Feel-Good-Komödie ist inspiriert von einer wahren Freundschaft: Amir ist 31, schwul und gerade aus dem Iran geflüchtet. Agnes ist 101, ein Berliner Original und immer noch zu jung fürs Altersheim (findet sie). Die beiden ziehen zusammen, werden Freunde – und retten einander das Leben.
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Früher stand Al Cook fast jeden Abend auf der Bühne, doch seit dem Tod seiner geliebten Frau lebt der Musiker allein in seiner Wiener Altbauwohnung – umgeben von Schallplatten, Videokassetten und Erinnerungen. Hier scheint die Zeit stillzustehen, während sich draußen die Welt weiterdreht und der Blues, der ihm alles bedeutet, langsam in Vergessenheit gerät. Als skrupellose Immobilienhaie das Haus abreißen wollen und ihn unsanft aus der Wohnung drängen, steht Al vor den Scherben seiner Existenz. Doch was als Katastrophe beginnt, entpuppt sich allmählich als Chance für einen Neuanfang. Mit Charme, Humor und viel Musik erzählt das preisgekrönte Regieduo Tizza Covi und Rainer Frimmel von Lebensträumen, Einsamkeit und ungebrochenen Leidenschaften. In der Hauptrolle dieser warmherzigen Komödie mit stark autobiografischen Zügen glänzt kein Geringerer als Österreichs Blues-Legende Al Cook. WIENER BLUES – THE LONELIEST MAN IN TOWN feierte seine umjubelte Uraufführung im Wettbewerb der 76. Berlinale, wo er mit dem Giuseppe Becce Award ausgezeichnet wurde und eine Lobende Erwähnung der Jury des Gilde Filmpreises erhielt.
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Oregon 1933: Nach dem Tod seiner Frau wird Samuel Murphy (Ethan Hawke) von seiner Tochter getrennt und landet in einem Arbeitslager. Um das Sorgerecht zurückzuerlangen, lässt Murphy sich auf einen riskanten Deal mit dem skrupellosen Lageraufseher Clancy (Russell Crowe) ein: Man stellt ihm eine vorzeitige Entlassung in Aussicht, wenn er sich im Gegenzug einer Gruppe Schmuggler bei einem Goldtransport durch die unbarmherzige Wildnis anschließt. Doch abgesehen von den Gefahren, die auf dem unwegsamen Terrain lauern, wird das Unterfangen auch durch Misstrauen und Verrat in den eigenen Reihen sabotiert. Je näher die Gruppe ihrem Ziel kommt, desto mehr zweifelt Murphy an dem Preis, den er für seine Freiheit und das Wiedersehen mit seinem Kind zahlen muss. THE WEIGHT – IM GOLDRAUSCH ist das Spielfilm-Regiedebüt von Padraic McKinley, der bereits viele Jahre als Editor für Film und Fernsehen tätig gewesen ist, bevor er sich der Produktion und Regie zuwandte. Mit Ethan Hawke und Russell Crowe wird der Cast des historischen Thrillers, der zur Zeit der Weltwirtschaftskrise in den 1930er-Jahren spielt, von zwei Hollywood-Schwergewichten angeführt. Die in der Wildnis von Oregon angesiedelte Geschichte wurde komplett in Bayern gedreht und vom FFF Bayern gefördert. Nach der Uraufführung auf dem Sundance Film Festival feierte THE WEIGHT – IM GOLDRAUSCH seine Europapremiere bei den 76. Internationalen Filmfestspielen Berlin in der Sektion Berlinale Special.
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Der abendfüllende Dokumentationsfilm Brunello: Der sanfte Visionär erzählt die Lebensgeschichte des humanistischen Unternehmers Brunello Cucinelli, der sein Leben sets in der Balance zwischen Arbeit und Philosophie hält. In einer Mischung aus dokumentarischen und fiktionalen Aspekten berichtet der Film von den Orten und Momenten, die Brunellos Leben am stärksten geprägt haben: angefangen bei seiner Kindheit auf dem Land bis in das Dorf Solomeo, welches er über den Verlauf seines Lebens zu einem Symbol des ethischen Kapitalismus aufgebaut hat. Interviews, Archivmaterial und persönlicher Erinnerung zeichnen das Bild eines Mannes, der aus einfachen Verhältnissen heraus ein Weltbekanntes Modeimperium erschaffen, und dabei nie die ihm wichtigsten Werte aus den Augen verloren hat: Würde, Ästhetik und soziale Gerechtigkeit. Denn nur wer die eigenen Träume mit Mut und Selbstbewusstsein umsetzt, kann Schmied seines eigenen Glückes werden.
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Die Halbschwestern Diana (Helene Bjørneby) und Lily (Renate Reinsve) wachsen als einzige Kinder in einem All-inclusive-Resort auf Gran Canaria auf, wo ihre unangepasste Mutter Vera als Reiseleiterin arbeitet. 25 Jahre später haben beide Abstand zur Insel gewonnen und sich auch voneinander distanziert: Diana arbeitet in einem Kindergarten in einer Kleinstadt in Norwegen, während Lily als Ex-Model und einstige Größe des Nachtlebens Teil der Hamburger Kunstszene ist. Der plötzliche Tod ihrer Mutter, zwingt die ungleichen Schwestern auf die Insel zurückzukehren und sich um den Nachlass zu kümmern. Das Wiedersehen wird für beide zu einer aufwühlenden Reise zurück in ihre Vergangenheit, zu verdrängten Erinnerungen und tief verborgenen Familiengeheimnissen – mitten hinein in das unbekannte Herz der Touristeninsel. Buch und Regie stammen von Itonje Søimer Guttormsen und ist nach ihrem vielfach ausgezeichneten Spielfilmdebüt GRITT, der seine Premiere in der Tiger Competition des Filmfestivals Rotterdam feierte, der zweite Kinofilm.
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Ronja liebt ihren fantasievollen und lustigen Vater. Sie und ihre ältere Schwester Melissa träumen von einem Ferienhäuschen im Wald, wo es gesellig zugeht. Ein Ort, an dem ihre Familie funktioniert. Doch in der Realität ist ihr Vater arbeitslos und die Mutter fehlt. Als ihr Vater einen Job als Weihnachtsbaumverkäufer erhält, malt sich Ronja ihre Zukunft aus. Es gibt frische Säfte und vielleicht auch Geschenke? Ihre Schwester sieht das skeptisch und es kommt, wie sie vermutet. Der Vater fällt in alte Muster zurück, beginnt erneut in einer Bar zu trinken und verschläft den Tag. Er bringt Ronja nicht zur Schule, kocht nicht mehr, bringt sie nicht ins Bett. Doch zum Glück gibt es in Ronjas Leben Freunde und auch der fremde Nachbar wird allmählich zu einer echten Bezugsperson. Ronja verbringt viel Zeit bei Melissa, die den Weihnachtsbaumverkauf übernimmt, und steigt zeitweise sogar ins Geschäft mit ein. Das Luciafest erlebt Ronja ohne ihren Vater. Als es danach aussieht, dass die Familie echte Probleme mit dem Sozialamt bekommt, will sie dem Vater endlich ihre Meinung zu sagen.
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Drei Leben, drei miteinander verwobene Schicksale, ein gemeinsames Erbe: Die Jahre 1932, 1937 und 2017 umspannend, erzählt LA BOLA NEGRA eine Geschichte von Begehren, Schmerz und der Sehnsucht von Sebastián, Rafael und Alberto, deren Lebenswege untrennbar miteinander verbunden sind. Inspiriert von einem der letzten, unvollendeten Werke Federico García Lorcas, spannt der Film einen Bogen von der Vorkriegszeit Spaniens bis in die Gegenwart. LA BOLA NEGRA ist wuchtiges, intensives und hochgradig emotionales Kino. LA BOLA NEGRA feierte Weltpremiere im Wettbewerb von Cannes – mit minutenlangen Standing Ovations und dem Regiepreis für Javier Calvo und Javier Ambrossi, als „Los Javis" das einflussreichste Duo des spanischen Kinos. Die Hauptrolle spielt Guitarricadelafuente, einer der prägenden Musiker seiner Generation, in seinem Leinwanddebüt. Neben ihm: Miguel Bernardeau (bekannt aus „Élite"), Carlos González und Milo Quifes. Dazu zwei Ikonen des Weltkinos – Penélope Cruz in einem spektakulären Auftritt als Revuesängerin im Jahr 1937 und Glenn Close als Literaturwissenschaftlerin im Jahr 2017.
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Ein gealteter Filmstar begibt sich nach einem Casting mit einer jungen Regisseurin, die ihm eine Nebenrolle - eine bizarre und unsympathische Figur - angeboten hat, auf eine kathartische Reise.
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Als der Romanautor Ohm Bauman (Adam Scott) in ein abgelegenes Landgasthaus reist, um die Asche seiner Eltern zu verstreuen, gerät er in den Bann unheimlicher Geschichten über eine Hexe, die die Hochzeitssuite heimsuchen soll. Verstörende Visionen und ein schockierendes Verschwinden zwingen ihn dazu, sich den dunkelsten Winkeln seiner Vergangenheit zu stellen. Mit HOKUM präsentiert Regisseur und Drehbuchautor Damian Mc Carthy einen atmosphärisch dichten Horrorfilm, der psychologischen Schrecken mit übernatürlichem Grauen verbindet. Nach dem gefeierten Genre-Erfolg ODDITY beweist Mc Carthy erneut sein Gespür für beklemmende Spannung und unvergessliche Gänsehautmomente. In der Hauptrolle überzeugt Adam Scott als Schriftsteller Ohm Bauman.
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In seinen Glanzzeiten machten ihn sein Geschick und seine Finesse zu einem Meister seines Fachs. Doch mit fast 70 hat es der Taschendieb Harry Lehman (John Turturro) im digitalen New York schwer: Bargeld und teure Uhren sind selten geworden, Kreditkarten lassen sich sofort sperren und Handys schnell orten. Als Harry eines Nachts einem jungen Mann einen USB-Stick stiehlt, ahnt er nicht, mit wem er sich angelegt hat, und gerät ins Visier einer skrupellosen Verbrecherfamilie. Eine wilde Reise durch den Big Apple beginnt. Ein nostalgischer New-York-Krimi, getragen von einem großartigen John Turturro.
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Dämonin Homura hat die Realität neu gestaltet, sodass Madoka und ihre Freunde wieder ein normales Leben führen können. Doch eine Reihe von Anomalien bringt ihre perfekte Welt ins Wanken. Zwei neue Magical Girls auf der Suche nach dem Gesetz des Kreises tauchen auf und die gefürchtete Hexe Walpurgisnacht kehrt zurück. Kann Homura das Leben bewahren, das sie für das Mädchen erschaffen hat?
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Barrio Triste ist eine eindringliche, ergreifende Coming-of-Age-Geschichte mit einer provokanten Wendung, die die Ängste einer Jugendkultur am Rande der Geschichte thematisiert, die sich danach sehnt, verstanden zu werden. Am Rande von Medellín, Kolumbien, berichten Anwohner Ende der 1980er Jahre von seltsamen Lichtern, die vom Himmel herabsteigen. Als ein Reporter eintrifft, um Nachforschungen anzustellen, stürmt eine bunt zusammengewürfelte Gruppe von Teenagern aus einem gesetzlosen Viertel die Szene und stiehlt seine Kamera. In den Händen ihrer neuen Besitzer zeichnet das Gerät einen faszinierenden Einblick in ihr hektisches Leben auf. Während die Jungen sich mit ihrer Situation abfinden, driftet die Kamera durch das Viertel, um die kleinen Details zu dokumentieren, die ihr Leben prägen. Inmitten von Dunkelheit und Verzweiflung keimt an unerwarteter Stelle ein Funken Hoffnung auf. Unterdessen offenbaren rätselhafte Interviews die inneren Nöte der Jungen, die um Worte ringen, um sich auszudrücken. Sind dies innere Monologe, Echos durch die Zeit oder Bitten aus einer anderen Dimension? Dieses genreübergreifende Debüt, das zunächst ein Dokument der Verzweiflung ist, bis es sich zu transzendenten Höhen aufschwingt, stellt die raue Umgangssprache des Lo-Fi-Videos mit unverkennbarer lyrischer Meisterschaft auf den Kopf.
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